Maurizio Vanni

Maurizio Vanni

Museologist, art historian, art critic and specialist in Art Management.

Visual arts correspond to a means of expression connected to the particular and personal needs of the individual artist. Creativity in art corresponds to a means, to a very useful experience to succeed in awakening the conscience and attaining a dignified state of self-consciousness. there are those who create art objects to appease an internal need, thous who, like to paint to alleviate a general restlessness or moods, and there are thous who, like Byun, practice visual art to conceptually investigate nature, to re-write its history and to translate it essentially through synthetic and strongly allusive plastic models. We
could say that Byun uses sculpture as others adopt philosophy, meditation or religion.

The Korean artist has never felt subjugated by the materials she prefers, she has never imposed an excessively rational expressive strategy on herself, and she has always tried to answer her questions by finding answers in her own daily life, in her own continuing experience, but above all in nature. The result is sculptures and bas-reliefs that are apparently abstract and minimal, but that in reality are fruit of a personal synthesis of perceptions of the phenomenal datum. A way of making art that has a sure beginning, but an unpredictable outcome due to the use of metal and fire: we know the shape and color as the pieces enter the furnace, but-at least in part- we cannot be sure how they will come out.

The concept of essence, of interior truth, of perception of the absolute involves philosophy and theology. Of course, a sensitive and learned person like Byun cannot remain indifferent to the concepts of interior emancipation, illumination and dissemination of the consciousness acquired. The moral and social balance, the desire for knowledge and for self-knowledge drive the artist of our contemporary times toward a growing cerebral involvement; that is why each ethical- cultural elaboration becomes the ideal means to tell the phenomenal datum in a wholly personal way.

True art needs the idea that in its potent originality draws from existence, from the true nature surrounding us. Sensitivity, curiosity, depth of thought, cognitive avidity and artistic entrepreneurship can transform an apparently common element, an ordinary object into something extraordinary and stimulating, allowing to embark on a discovery journey inside the heart of things. A simple spider web, for example, can constitute the pretext to investigate the unwritten laws of the universe and to identify the energies that regulate equilibriums between all things. And it is indeed a spider web, seen at dawn, with the small dew drops dancing on its threads, after a sleepless night spent thinking about some of her works, that leads Byun to create geometric structures often based on the union of opposites. From these intuitions, it is possible to arrive at works that go beyond the finite and beyond what we usually superficially define as reality.

Western culture tends to see the spider and its web as a symbol of malice, while in the East- for example in India -it is perceived as a very important cosmological symbol according to the arrangement of the web. Its radiant
center represent the sun that diffuses its rays (knowledge) like the spider does with its threads. The fact that the spider web is comprised of rays and concentric circles recalls the symbolism of weaving that unties all the elements of nature together. The web is hence an image of the expression of being. Greek legend turns the spider into the caricature of the divinity: it was punished for having rivaled with Athena in weaving. Arachne weaved and embroidered beautiful rugs, but attributed her talent only to herself, forgetting that she was Athena's pupil, thus defying the goddess. Of course, it was a one -sided contest and Arachne was transformed into a spider and condemned to weave for eternity . Instead, some Altaic peoples of central Asia believe that the spider represents the spirit freed from the body.

For Byun, the spider web represents the architecture of nature: a practically perfect structure which, although light and potentially vulnerable to atmospheric agents, becomes vital and always different based on the elements it is weaved on. The lines of the web, with their concentricity and their creation of optically perfect geometric elements, are reproduced in metallic structures that regulate the rhythm of fruition, the projects and the chromatic contrasts of light and surface, thus altering the rapport between finite and infinite.

Besides being conceived in molten steel through procedures that are closer to ceramic than to metal sculpture, the installations of the bas-reliefs open themselves up to a perception of monochromatic metal lines and painted backgrounds that allude to Renaissance vanishing points, to those straight lines typical of Alberti and Brunelleschi who, during the FlorentineRenaissance period, changed the history of architecture forever.

What looks like an abstract work at first glance, far removed from any figurative reference, after spending some time observing it, turns into a universal spider web right before our eyes, into a cosmic puzzle, a mosaic of being where every piece, albeit in tune whit others, answers to a specific sensation, where every geometric element seems to exist as a function of the subsequent one.

Byun's works do not translate nature; rather, they open it up, dig into it, study it, synthesize and emancipate it through emotional and cerebral passions, through determined and strong signs, through metallic colors that cut the form but at the same time create intriguing and mysterious inter-dimensional openings. The geometric elements seem to be aggregated by a centripetal movement in a slow and perpetual motion.

Byun has a true passion for art and for life, for matter and for nature: a passion that is open to the emotions and thoughts of those who refuse to settle for something, with the awareness of being just a small portion of the universe but to contribute to its existence. We are part of the Whole and the Whole is a part of us.

Young-jai Kim

Lines in between masses, and sensitive colored sculptures

Young-jai Kim ( Art philosopher, Ph. D., Kimcineart Production )

Ambitious but Cautious, daring but exquisite sculpture works by Byun Sook-kyung well express the aim of the artist to achieve an objective sensitivity and to be verified in the context of the art and art history, specifically in alternating Minimalist or Minimal Art aesthetics.

In the exhibition hall, simplified structured sculptures, and reliefs will be displayed simultaneously in terms of aestheticism of sculpture, installation art and painterly organization. That is, huge iron sculpture fit for the exhibition hall, will be surrounded what might be called painterly reliefs or relief paintings on the wall. In doing so, the tensions between the iron sculpture and reliefs will be released until reached to a peaceful co-existence.

What is called ambitions in Byun's sculptures comes from gigantic scale. Over three quarter tons of iron plate could not be handled with no crane nor supporting equipment, however, the scale could be larger than the one supposed to be shown in the comparatively small exhibition hall against her ambition.

Fitting for the shoes, however, works of the artist took both aims cautiously, i.e., showing the profundity of the iron plate and vivify the smooth lines in the sculpture at the same time-although the combination of the two factors seems to be very difficult. She solved the discrepancy problem by constructing second work with no hesitance, as she found the swiftness of line couldn't be alive because of the thick and dumb iron plate of the first attempt.

Therefore, second and improved lines could be attained by alternating comparatively thin and large plate. Not only an ambitious attempt to show her ability to ride the untamed mustang-like iron plate, but also cautious approach to the aesthetic possibility to focus on line in the sculpture will be realized.

What makes that ambitious, grand scale in the sculpture? She points out the feeling from the shape according to the scale. In this case, two contradictory but co-related concept are to be discussed, that is, the larger scale makes the heavier work, however, the bulky forms can make smooth lines more easily.

The reason why she used to work with the iron plate for the sculpture, might be strange to hear, comes from her hot temper to draw none other than quick and direct output from direct input. That is to say, iron plates could be a sculpture work in no time nor tedious procedure except direct cutting, welding and finishing.

Who could tell iron sculpture not courageous, but easy? It needs not only cranes carrying over tons of iron plates, but also meticulous techniques, such as plasma cutting, welding, grinding and bending and many others.

Irons, what is more, subordinated our culture, in terms of iron age. However, against the importance of the iron, it is pointed out that the irons are considerably vulnerable to the moisture. Moreover, none other than rust. i.e., oxidized steel used to put the iron sculpture aside from collector's item, in the context of art history.

Therefore, it is one thing to choose the iron sculpture against the common demand and flux of art market, and recognizing the fact that the iron represents the iron age culture of human beings, is another.

Before the courageous but seemingly reckless choice in terms of art market, sentimental motives had stirred the initial steps up in Byun's sculpture. That is, the lines, seemingly logical and phenomenological design, were taken from the lines found in the ordinary surroundings of life. Strictly speaking, the line what she aims to reproduce, comes from the web, not world wide web sort of things, but the dewey web of the spider in between the wall of her studio, early in the daybreak.

The lines in the sculpture which will be shown in the exhibition, therefore, signified the innate and intuitive discovery of the artist which became her conviction during the process. Also the lines stands for the artist's sculptural language based on painterly lines in the painterly relief.

Lines altogether, the colors in the reliefs comes from her sensitive discovery of the seasonal changes surround her studio, specifically by vulnerable heart in the spring times. However, the easy-to-hurt sentimentalism transforms a solid painterly and colored relief after processing industrial chemicals and heat treatment in the first place, sanding, grinding and waxing as finishing stage.

In the meantime, the artist calls the title of her sculptures as the "diary of the daybreak," because the motives of the web-line came into her mind at the dawn, breaking the tedious errors and trials through the night, and the marquette completed at the time of the daybreak as a signal of grand fanfare of her achievements . Although the importance of the discovery of the web-lines were great, she never lost her moderation. All she had taken from the photos of the dew-laden spider web is not the figurative representation, but see-through lines in between walls, that is, what she had chosen was 3-dimensional lines, and painterly lines in the sculpture.

Therefore, the meticulous line aesthetics which had been derived from the discovery of cobweb between the wall, sensitive creation out of spider's thread, and susceptible color transformation of the relief derived from that of Spring season, and most of all, the huge scaled iron sculpture, all of above factors well represent her direct influence of art from the life, life from the art, vise versa.

The lines in the reliefs, of course, could be found in the large sculpture. The iron plates are welded with some supports leaving lines in between the plates, however, considering the lines are nothing but vacant crack compared to the solid iron plates, let's say the crack, line what she aims to create, as 'useful uselessness' in Tao-te-ching by Lao-Zu, the philosopher in ancient China of 6th century.

In the lines of the artist, that is, the ventilating passages in between the massive iron plates not only help breath the stubborn iron sculptures, but also let the works breath in the context of the art history. Literally, Byun's sculpture succeeded Minimal art in a sense, however, the far advanced and spontaneous achievements were seemingly attained.

In Minimal art, primary structure were counted most important factors, as well as Conceptual art. However, the anticipation of the art history to find the most fundamental aesthetics by means of the primary structure had faced strongest enemy in, none other than the primary structure itself.

Since the primary structure is bound to be anonymous in itself, the evolution of the minimal aesthetics destined to be stopped when the primary structure come to reality as common formula. Therefore, the minimal artists strived for their survival by installing the concept of 'spectator participation.'

The notion of the atmosphere completed by the participating spectators as both subjective and objective in the Minimal Art, seemed to be far advanced stage compared to former spectator participation before Minimal Art and Conceptual Art, that is, spectators as appreciators. However, the Minimal artists could not create the, what is called, discriminative, distinctive and characteristic identity of the Minimal art, without the spectators.

However, Byun willingly allow the breeze and breath of the spectators passing through the works through provided lines, if we can say crack of the sculpture as lines, which the minimal artists apparently fail to claim for their discovery and achievement in terms of their aesthetics and doctrines.

Therefore, Byun's art can be manifested stately in three manners according to the state and location. that is, majestic in itself, on the wall, and in the space where the works are displayed. The reason why the works in any location could be majestic is that the peaceful co-existence between the sculpture and colorful relief could be established through the lines derived from crevice, which is far from a result of common sculptures based on bulky masses.

Isn't it a 'Brave New World', if we remember a novel by Aldous Huxley(1894-1963), with self-sufficient, sensitive statement, and cautious line, simply satisfying aesthetics of sculpture, paint and Installation art? Isn't it a self sufficient aesthetics with no need of spectators as the fundamental factors as we had seen in the Minimal art of the 20th Century?


Lines Drawn in the Sky
Discovery, Straight Lines

Tae-man Choi ( Art Critic )

The outstanding characteristics found in Byeon Sook-kyoung's works are the straight lines crossing or dividing the surface of the cube. Except for the edges shaping either cube or disc, these straight lines are oblique lines mostly; few lines are in parallel.

So, the planes in a rectangle or a circle look even like the broken fragments. The cracks created by such straight lines not only divide the space but also highlight the planes lifted like the layers elevated by a diastrophism only to escalate the visual tension. Hence, the world in the geometric framework looks like an arena where some dynamic energies struggle with each other.

The planes divided by the oblique lines are neither uniform in size nor regular in form, and therefore, they might well look like some disorderly structures. However, if you understand from what motive these straight lines start, you may well know that what forms the structure is not a chaos. Such attribute of Byeon Sook-kyoung's works must be a clue to the argument that what a simple conclusion it would be to define her basic form as 'minimalism' on the ground that it is a geometric cube.

First of all, we can find a clue in the theme 'Dawn,' The artist says that she found a spider's thread wet with the dew at dawn after she had sat up all night thinking about her works. A spider's thread is found frequently around us, so we may overlook it. But she found a structure created by Nature. In fact, the spider's web we know is a radial net functioning as a trap in most cases.

Since the round net laid out by a spider looks like a regular wheel, it has a regular proportion. In addition, the unique structure converging toward the center resembles the vanishing point of the perspective much. However, it is said that the spiders' nets differ in shape depending on their species: crescent, triangle, fan, etc. In some cases, shelf-like or plate-like or bowl-like net laid out on the wall or between furnitures has an irregular structure. What is interesting is that Byeon Sook-kyoung uses such spider's net as the motive for her straight lines. She does not arbitrarily transform the structure but expands the original form and thereby, links it with iron or copper plate cuts.

So, it is little exaggerating to say that the designer is a spider determining the basic structure. Indeed, we tend to dismiss the spiders as the harmful insects to be exterminated, while feeling desolate for their webs laid out in less visible corners or rims, and therefore, we do not probably appreciate Byeon Sook-kyoung's discovery of spiders' webs.

Although her discovery may not be comparable to Archimedes' discovery of 'the principle of buoyancy - he cried 'eureka' upon discovering it - it is important for her to find a principle of forms in the very trifle phenomenon. Just as 'the cobweb theorem' in economics is applied to analyze the phenomenon of the prices fluctuating due to the unbalance between demand and supply, so a natural phenomenon may well often provide for a clue to the understanding of a complex structure.

Byeon Sook-kyoung seems to get an idea from the irregular structure of the spider's web, as shown in her oblique lines crossing each other. Thus, her works show us a world of the aesthetic combinations, evoking 'a rule in the misrule,' 'a balance in the dissolution' or 'an order in the disorder.' 'An order in the disorder' is implied in Chaos theory or Fractal geometry. It is just the principle of dividing the rectangle frames, and the result is a jigsaw puzzle. The basic forms of such jigsaw puzzle are not invented by the artist but found by her in the nature, and in this regard, we may well call her works 'discovered abstraction.'

There is no room for the metaphysics to infiltrate into, and therefore, any symbol is rejected. However, although the artist has found a motif in the spider's web, it is just a source of her works, not representing her entire art work. Then, we need to make clear what the artist wants to tell us through this spider's web structure.

Interstice between of Cracks, Windpipe of Tension and Relaxation At a glance, irregular oblique lines cross each other dizzily, but in her works, the triangle is the basic form, surrounded by the polygons; sometimes, the polygons are placed appropriately. Since such forms are oriented toward the center, our eyes are naturally focused on the center. In this center, small fragments or cuts are grouped in diverse colors, so our eyes are not dispersed but converged on the center.

The harmony between the wide planes on the edge and the complex structure in the center must be a factor not dispersing her works visually but stabilizing them. The disc type has a clear contour, and therefore, it serves to contain our eyes in the round space.

However, the inside is complex like a broken glass lens, and thus, a cyclic structure between tension and relaxation is formed. In contrast, the symmetric structure in the rectangle gives a rhythm to the disturbing oblique lines caused by the inside crack. In addition, the gorgeous colors on the surface act to turn her works into sculptural paintings or painting-like sculptures. Although such colors interrupt our exploration into the inside structure, the contrast of coloration is outstanding, opening up the closed spaces or closing the open spaces.

Accordingly, activation of the space restrained by colors is equal to the crack dividing it, and as a result, a kind of windpipe is created; it is not simply a crevice between planes. Crack does not separate the spaces but link them. Namely, it is a medium as well as a way guiding our eyes. While rectangle or circle has the attribute of regressing to its prototype because it is highly self-perfecting, crack is interrupted in its recovery to a stable form.

Such interruption is a factor preventing her works from being stabilized in a space closed by a minimalism impulse. Here, a tension rises. The tension is also a force driving the fragments to be assembled in an aesthetic dimension.

The process of dividing and reassembling the planes require an aesthetic judgement different from the instinctive act of the spider weaving its house. Furthermore, the form protruded from the divided planes is another important element determining her works as sculpture. In other words, her consideration of forms is important in the process. After all, her works rely on cubes or geometric supports, but they are just supports literally; they are not the contents of the works. Namely, the artist does not stick to the contour determining the form of her works but urges us to look into the inside through the fragments and the crack across between them. Of course, the inside is void physically.

What we should look into is not the inside of the box but the interstice space between cracks. Although it is very narrow, the interstice space is a key to understand not only the structure of the cube but also the principle forming the structure. In this sense, the spider's web becomes important again as the motif of her works. It is a net catching the world. In addition, its strand may be regarded as a line of Fate like the palm line in that it connotes many stories.

The structure of her works expanding the spider's web excludes any symbol but a metaphor may be allowed in the process of reassembling the fragmented forms. The fragments are not precisely reassembled with such hi-tech tools as laser, or they are not easily recovered to their original assembly or a plane. The sharp-angled planes are tilted to be cubes, while the planes divided with colors are re-defined. Thus, her works are entitled to justify themselves as the cubes compressing the structure of Nature.

If she has discovered a geometric structure created by Nature through the spider's web she found at dawn, her works may well be the windows through which we can look into the world. While spiders spin the threads from inside their bodies as much as their webs can be supported by gravity, the artist may want to draw the lines in the sky by referring to the webs.

When the lines are linked with each other, they may form a net containing the sky. Although her works are assembled of the heavy metals, we are happy to imagine them as the windows to the world as well as the net catching the air.

ChoiJong-geun Kim

Iron lady - Meets Spider

Jong-geun Kim (Art critic, publisher Art and Collector)

As one journalist has noted, "Byeon SookGyeong is a woman that cuts metal and rejoins it into new shapes, throwing off sparks and discovering gaps. She is a woman who shapes gaps into leaves, and who scatters these leaves to the wind. She is a woman who intentionally creates rust, who balances weight, who welds gaps, and builds agglomerations of metal. She is a woman who stands tall, who can look directly at the phenomenon of rust, and change her line of sight."

This description is not inaccurate. But to be true to her art, Byeon must be described as a woman who weaves spider webs, i.e. a "human spider." In her art, Byeon continually devises spider webs. Of course, she does not recreate the same web every day, but her work nevertheless maintains its inseparable connection to spider webs.

Byeon has noted her spiritual connection to spider webs. While preparing for her solo exhibition in 2004 she worked through the night to realize her vision, and while taking a walk near her studio, she encountered a spider web covered with the dew of dawn. A spider had woven a web between two of her works. The spider web both irregularly woven, yet delicately structured, hit her like a flash, and she was inspired to create. This experience is the foundation of her work. Since she received this inspiration at dawn, she calls this her "dawn moment."

As an artist, such absolute artistic inspiration is connected to fate. Gaston Bachelard, a philosopher, always prayed before his desk for inspiration for the first stanza of a poem. With her profound connection to spider webs, this moment was a signal and a pointer to a voyage that brought her to new sculptural artistry.

Of course, in the history of abstract sculpture, forms borrowed from nature are a familiar motif. In this respect, the lines of a spider web which can be perfectly geometrical in sculpture, are art by themselves.

In the spider's web, lines meet, attaining a perfect harmony that exceeds the golden ratio or the work of any artist. Byeon has made this into a theme in plastic art. Metal plates meet and separate, forming the central story of her work. On a flat surface, forms merge and separate, sometimes concentrating in the highest convergence into solidity.

With rusted metal plates, Byeon uncovers the basic principles of reason and form in nature. Picasso did not always refer to his works as a "creation," often instead refering to it as a "realization" of nature. Byeon likewise draws on the original forms of sculpture to realize the exquisite forms made by nature.

However, Byeon's artistic evolution did not stop at this realization. By expanding the sight lines, a new world of lines is placed on the wall, and through the realization of perfect solidity, she demonstrates the methodology of existence. In other words, from a painterly relief style made for a wall, Byeon has moved to a relief style of painterly solidity, extending the visual territory of the space. Her works when hung, evince a puzzle like quality, existing independently in space. While doing this, Byeon always retains the essential perspective of her inspiration in the spider's web.

Of course, while this spider's web pattern is like a crystallized relationship of the gaps between the walls of the workspace, her keywords are "space" and "line," and the director of the performance is the spider. In other words her work is realized like the tools of god, and a language of solidity is gloriously resurrected. This is Byeon's clear visual and formal message. What does she want to say through this?

Byeon is not just transferring the natural work of the spider into another medium. One recollects the spiders created by Louise Bourgeois, known to the world as the "spider woman." Her work emerges from her personal pain in the form of a spider that evokes sympathy with the people she loves.

To Louise Bourgeois, a centenarian artist, her outdoor spiders represented her own psychic injuries. Her sympathy for her mother and her hatred for her father became a motivation for her work.. With her mother she maintained a relationship that could never be undone. This is like the spider and its web, and caused her to choose the spider as a representative of her feelings. In the same way, to Byeon, the shape of the spider's web is like a gospel to the world.

"Every woman in our house knew how to use a needle and thread." Of her "maman" sculptures, Bouregois said "it's a representation of my mother, who repaired tapestries. Like a spider with its web, my mother wove her tapestries with her thread."

Instead of pain, however, Byeon may be like a missionary of the clear artistic inspiration she received at dawn. In her works, one can reflect on how a spider creates elegant shapes with such order and precision. How the arrangement and expression of such a diverse balance is attained within this geometrical frame is of keen interest. This is a superlative harmony where clear surfaces intersect, while byeon's massive steel plates woven like spider webs, forge her own distinctive and iconic idiom.

-Midashi: In Byeon's works, one can reflect on how a spider creates elegant shapes with such order and precision. How the arrangement and expression of such a diverse balance is attained within this geometrical frame is of keen interest. This is a superlative harmony where clear surfaces intersect, while Byeon's massive steel plates woven like spider webs, forge her own distinctive and iconic idiom.

The important point is that a rectangular shape remains central to Byeon's internal intentions. The form realized by the spider, and the abstract relationship candidly reemerges there form.

In fact, the spider has always been known as a mysterious creature. From the spider's body, a sticky liquid emerges, but upon contact with external space it becomes thread. This thread is folded and coiled at only 1/100 of the width of a human hair, yet it is as strong as steel wire. Anything caught in the web cannot escape. Byeon uses forms from the natural world as a motif for her sculpture, and the culmination of sculptural art is more than anything, a new sculptural interpretation of the space she realizes.

The true charm of Byeon's sculpture is her emotion and her ability to convey it in a means that unfolds geometric space through thin threads of abstract geometric forms. To this end, her work is built without sketches or drawings, and even without reading into its meanings, is imagined naturally. Byeon's sixth installation, themed "dawn moment in iron" has now opened. The surfaces she has sharply cut anticipate lines, achieving an orchestra like harmony that returns to us.

In this work, the constituent surfaces are mutually stitched, and the intellectual form is resurrected. As with Bourgeois' spider, joining the constituent parts together is like the healing of a wound. Byeon is according to many critics, "an artist who sees the lines existing beyond the steel plates." Byeon cuts metal in an orderly way and then reshapes it into something like a spider web, in an abstract sculpture like a diary. The beginning of sculpture is indeed a form play within the space of reality, but Byeon's sculpture is carved from a single material, and the sculpture created is not traditional, but is closer to the building of an object in the manner of an architect.

When looking at her works, a surprising fact is that metal is molded like clay, massaged and manipulated without hesitation. Her techniques, including cutting, sanding, welding, and installation, defy comparison with male technicians. In 1993, Byeon visited Daewoo shipbuilding, and fell in love with the technique while observing rusted metal in the sea wind. She learned welding at Daewoo, and attained certification as a welder. With this intense physical effort and enthusiasm, her dawn moment large-scale wall surface work became possible. Although we can say that her works borrow the form of a spider's web through cutting, assembling, and welding metal, actually, Byeon is creating her own abode thoroughly on the spider's blueprint.

In this "house," we can see her own private life in the convergence of lines and forms. The spider web represents the genuine tears of an honest life that Byeon is aiming at, and is a way to crystallize her expressions. Without giving up the traditions of representation, her final hope is to open a purely abstract geometric world from nature.

Byeon's sculptures, which appear in matter within a three dimensional space present the true meaning of sculpture as a beautiful and warm force for healing through the human hand in a form endowed by nature. Her sculptures, so neat and simple, yet rife with meaning, express, as Herbert Reed once noted, the idea that "art is about ultimately human emotions, and this will never change. Byeon's work is a continuous process of revelation of the moment of truth.

-Midashi: Without giving up the traditions of representation, Byeon's final hope is to open a purely abstract geometric world from nature. Byeon's sculptures, which appear in matter within a three dimensional space present the true meaning of sculpture as a beautiful and warm force for healing through the human hand in a form endowed by nature.

Jung-rak Kim

Preface for Byeon Sook-kyoung

Jung-rak Kim (Head of curator, Kim Chong Yung Sculpture Museum)

Originally, fine art featured a phenomenological contradiction. The attitude of fine art indicating 'so' by showing itself as 'not so' was relatively appreciated by Aristotle, but it had been an unbearable illusion to his senior Plato. As such, fine art has been placed lowest in the system of truth constructed by human beings. Art is not a truth itself; it only indicates a truth. The mediation on the time-honored realism has been based on such theory of contradiction. The contemporary fine art has grown assuming the 'fact' that it is an illusion. It originates from the meditation on the theory of contradiction superimposed on the system of truth. Its hither-to achievements are the historical results from the unnecessary agony by aesthetics and art philosophy over two millennia. The author admits that art is a beautiful (or charming) lie, while approaching the existence of art and its ontology. If you feel it too difficult to understand, the author will express it differently by using Sophists' rhetoric. Namely, while a lie is accepted as a lie, a tacit familiarity and social relationship between speaker and listener is formed. To put it more plainly, let's lie friendly and with smile and then, accept it. Namely, art is a sophisticated and logical 'fraud.'

Artist Byeon Sook-kyoung's work is too heavy. The structure formed of iron plates and beams weighs more than one tone in some cases. Her work is still light, compared with Richard Serra's, but the sense of weight is relative depending on works. For example, if a water ox is as heavy as 500 kilo grams, we are not surprised, just nodding. However, if a field mouse weighs 50 kilo grams, we must be alarmed. Art just touches the latter. Due to such difference of sense, Byeon Sook-kyoung's works cannot but look heavy. Now, the author feels necessary for some specific explanation. She found a spider's web in a quiet corner at dawn. The spider's web too incomplete and loose might have evoked a sense of aesthetics for her. The artist was charmed by it. She saw a force penetrating and splitting the space in the strings set between thick reinforcing rods or between concrete columns or walls, feeble and transparent enough to be breakable even by the wind.

On the other hand, the artist borrows a principle of configuration from structural aesthetics and architectural attribute of the spider's web. The strings combined to support their too feeble structure bear the wind and ignore the desperate struggle of the insects trapped therein. In addition, the firmness of the strings dividing the air may well connote some sense of self-control as well as the integrity championed by Classicism. The artist represents such formativeness with iron. The artist is bold and reckless enough to challenge the theory of contradiction discussed above by the author. She imports the form too light to be weighed into a material as heavy as a ton. Byeon Sook-kyoung's work may well be characterized by a setting indicating a being lighter than the Kleenex tissue. And such indicativeness is highlighted again by some decorative or rhetoric shape inherent in her work.

The art works which have become so beautiful lies begin to attach law and rhythm to the variable forms of Nature. Repetition and changes begin to vary within a kind of harmonic structure. The resultant ensembles will have their own meaning. In order to form such ensembles, the artist leaves her work again to the accidentiality of Nature. A series of works are processed in an almost same way, namely, heated in a kiln. Here, the human intention does not affect the dynamics of the heat. Now, the artist waits for the results of accidentality, sitting beside the kiln like a ceramist. The minute differences caused by accidentality form a rhythm in repetition. Here, the artist always seems to see other spider's nets, being reminded of the aesthetic law of Nature structured therein.

The theory of contradiction developed by Byeon Sook-kyoung's work does not only involve its sense of weight. The contrasting inversion of space and substance forms another axis of such theory. The thin strings of the spider's web are transformed into the crevices crossing the heavy iron sheets. The lines penetrating the plane of the frame are often extended beyond the limit of the frame. Namely, her work with its physical limit determined becomes a part of an invisible whole as well as a part visualized. Thus, her work is given a meaning as a kind of indicator hinting at the whole. In this way, her work exchanges frequently with the external open space as well as with the voids within itself. The communication transcends the space to be formed as a shadow or a second formal element derived from the work. The form created by the lights penetrating the work and its shadow is projected into the space to turn the work from 'being-in-itself' to 'being for itself,' or set a reciprocity.

Lastly, We need to pay attention to the fact that Byeon Sook-kyoung's work has a simple architectural form. Such architectural attribute may be comparable to her former minimalism works, but it must differ from the minimalism expressed as an extreme reductionism. To the contrary, Byeon Sook-kyoung's work spins off meanings 'positively,' probably because she borrows her motif directly from Nature but primarily because she composes continuity and difference of forms in the process of transposing them into some material ones. For example, unlike Sol LeWitt's or Carl Andre's works with their modules repeating too inhumane and unnatural forms, Byeon Sook-kyoung' work features a lyrical emotion woven on the iron. And her work obeys the irregular changes of Nature. Hence, the artist gains a force not contracting but expanding. As if she were Arachne (a woman who turned into a spider in the Greek myth), Byeon Sook-kyoung knows how to express the tenacious life of Nature as a crystallization on the cool substance and thereby, weave the epic contents thereupon. The author feels heavier for being and meaning of the lines dividing the space rather than for the iron mass or the primary material of her work.

Young-taek Park

The line subsistent on the steel plate

Young-taek Park ( Art Critic )

After cutting the quadrangle steel fine, it puts the broken pieces together as it was before.

Lines which incised and divided the square flat, get together. Suddenly those are stopped under the power of memory. Therefore it feels like rebirth get through the process of healing and rejoining flats which were divided by crossing inside space lines.

The square flat keeps up as it was but inside each one is connected different situation and countenance. On that account the variety of life rolls out in the identical surface. Its panorama spreads out before us.

To the sculptor, the steel plate is unique material, ardent existence, the world and as well as the space of work. It exists likewise the extension of her body. We can say she has to think, talk, live and be in existence with steel.

The works are carved by her trace, daily life and playing with steel entirety. That's why it became the piece which was the trace she cut, welded and dialogued with steel everyday like writing her diary.

There's her own moving as she can do and her life as she weaves like a spider weaves its web. All these things inhabit like that on steel plate.

마우리지오 바니

마우리지오 바니

이탈리아 박물관 학자, 미술역사가, 미술비평가, 전문 미술 경영자

시각예술은 예술가의 특별한 개인적 필요와 연관된 표현수단에 상응한다. 예술에서 창조성은 수단, 즉 양심을 일깨우고 고상한 자의식 상태를 달성하는 매우 유용한 경험을 의미한다. 어떤 예술가들은 내적인 필요를 달래기 위해 예술 오브제를 창조하며, 또 어떤 예술가들은 일반적인 불안이나 불편함을 완화시키기 위해 그림을 그린다. 그리고 생각과 감정을 전달하기 위해 조각을 하는 예술가도 있으며, 변숙경처럼 자연을 개념적으로 조사하여 그 역사를 다시 쓰고 합성 모형, 즉 강하게 암시하는 플라스틱 모형을 통해 본질적으로 자연을 번역하는 시각예술을 시도하는 예술가도 있다. 우리는 변숙경이 다른 사람들이 철학, 명상 또는 종교를 사용하는 것처럼 조각을 사용한다고 말할 수 있다.

이 한국 예술가는 자신이 선호하는 소재에 압도당한 적이 전혀 없으며, 과도하게 합리적인 표현 전략을 자신에게 부과한 적이 전혀 없고, 항상 자신의 일상생활에서, 자신의 지속적인 경험에서, 특히 무엇보다도 자연 속에서 해답을 찾음으로써 자신의 질문에 답변하려고 노력해왔다. 그 결과 그녀의 조각과 ‘바 릴리프’는 분명히 추상적이고 미니멀적이나 실제로는 현상적 자료에 대한 지각의 개인적 합성의 산물이다. 그녀의 방법은 시작은 분명하나, 금속과 불의 사용으로 인해 결과를 예측할 수 없는 예술을 창작하는 것이다: 우리는 재료가 가마에 들어갈 때 형태와 컬러를 알지만(최소한 부분적으로는) 재료가 어떻게 되어 나올지 분명히 알지 못한다.

본질, 내적 진리, 절대성에 대한 지각 등과 같은 개념은 철학과 신학과 관련이 있다. 물론, 변숙경과 같은 감각이 뛰어나고 작업량이 많은 사람은 내적인 해방, 획득된 의식의 조명 및 전파 등과 같은 개념에 무관심할 수 없다. 변숙경은 도덕적, 사회적 균형감과 지식 및 자아에 대한 욕망 때문에 우리의 현대 예술에서도 지적인 노력을 소홀히 하지 않는다; 이러한 지적인 노력 때문에 윤리적-문화적 정교함이 완전히 주관적으로 현상적 자료를 설명하는 이상적인 수단이 된다.

진정한 예술은 그 강력한 독창성 측면에서 존재로부터, 즉 우리를 둘러싼 진정한 자연으로부터 나오는 개념을 필요로 한다. 감수성, 호기심, 사고의 깊이, 인식의 탐욕, 예술적 기업가 정신 등은 분명히 보편적인 요소 즉 통상의 오브제를 특별하고 자극적인 어떤 것으로 변형하여 대상의 심층 내에서 발견의 여행을 시작할 수 있도록 해준다. 예를 들어 단순한 거미줄은 기록되지 않은 우주의 법칙을 탐구하고 모든 사물들간 평형을 조절하는 에너지를 파악하는 단서가 될 수 있다. 변숙경은 그녀의 작품을 구상하느라 밤을 지새운 후에 새벽에 작은 이슬이 맺힌 거미줄을 발견하고는 종종 상반적인 것들의 통합에 근거하여 기하학적 구조를 만들어낸다. 이러한 직관으로부터 유한성을 뛰어넘는, 즉 우리가 대개 피상적으로 ‘현실’이라고 정의하는 것을 뛰어넘는 작품을 만들어낼 수 있다.

서양문화는 거미와 거미집을 악의 상징으로 보는 경향이 있는 반면, 동양, 예컨대 인도에서는 거미집은 정교하게 구축된 매우 중요한 우주적 상징으로 인식된다. 방사형 거미집의 중심은 거미가 실을 전개하는 중심으로써 마치 빛(지식)을 발산시키는 태양에 비유된다. 거미집이 실과 동심원적 구조로 이루어졌다는 사실은 자연의 모든 요소들을 함께 통합하는 직조의 상징주의를 연상시킨다. 따라서 거미집은 존재의 표현 이미지이다. 그리스의 전설에서는 거미가 신으로 희화화 된다. 거미는 아테나와 실짜기를 겨루었다는 이유로 처벌받았다. ‘아라히네’는 아름다운 러그를 직조하여 수를 놓았으나, 그녀가 아테나의 제자라는 사실을 망각하고 자신의 재능을 과시함으로써 아테나를 거부하였다. 물론 그 시합은 ‘아라히네’가 이긴 일방적인 시합이었으나 아라히네는 거미로 변하여 영원히 실을 짜도록 저주를 받았다. 이와는 대조적으로, 중앙아시아의 일부 알타이 사람들은 거미가 육체로부터 해방된 정신을 대표한다고 믿는다.

변숙경의 경우에는, 거미집은 자연의 건축을 대표한다. 그녀의 거미집은 비록 가볍고 환경에 취약하지만 활력이 있고 소재에 따라 항상 다른 실제적으로 완벽한 구조이다. 동심원을 중심으로 과학적으로 완벽하게 기하학적인 요소들로 구성된 거미집의 선은 결실의 리듬, 빛과 표면의 투사 및 색조 대비를 조절하여 유한성과 무한성간 화해를 변화시키는 금속 구조물로 재생된다.

또한, 금속 조각이라기보다는 세라믹 조각에 더 가까운 과정을 통해 용해된 강철로 고안된 그녀의 ‘바 릴리프’ 설치 작품은 르네상스 시대의 소실점을 연상시키는 단색 금속 라인 및 채색 배경으로 확산되며 플로렌스 르네상스 시대에 건축사를 영원히 바꾸었던 알베르티와 브루넬레시의 직선으로 확장된다.

언뜻 보면 추상적인 작품처럼 보이지만, 어느 정도 관찰한 후 구상적인 관점에서 벗어나 살펴보면 바로 우리들의 눈앞에서 우주의 거미집으로, 우주의 퍼즐로, 또는 존재의 모자이크로 변환된다. 각 작품은 다른 작품들과 조화를 이루어 어떤 지각에 답변하며, 모든 기하학적 요소들은 그 다음 요소들의 함수로써 존재하는 것처럼 보인다.

변숙경의 작품들은 자연을 번역하지는 않는다. 그보다는 그녀의 작품은 자연을 개방하고 자연 속으로 파고들며 자연을 연구하고, 정서적, 지적인 열정을 통해, 단호하고 강렬한 기호를 통해, 또는 형태를 절단하면서 동시에 모호하고 신비스러운 차원간 개구를 만드는 금속 컬러를 통해 자연을 합성하고 해방시킨다. 기하학적 요소들은 느리고 영속적인 운동을 통해 구심력에 의해 통합되는 것 같다.

변숙경은 예술과 삶, 물질과 자연에 대해 진정한 열정을 가지고 있다: 이것은 우주의 조그마한 일부에 불과하다는 자각에서 어떤 것을 위해 안주하지 않고 그것의 존재에 기여하기를 거부하는 사람들의 감정과 생각에 개방된 열정이다. 우리는 전체의 일부이며 전체는 우리의 일부이다.


틈새의 선과 감성적 색채의 조각

김영재(미술사상가, 철학박사, 김씨네아트 프로덕션 대표)

변숙경의 야심적이면서도 조심스러운, 그리고 대담하면서도 섬세한 조각에는 작가 자 신의 내밀한 감성의 세계를 객관화하고, 미니멀 아트를 대체할 조각사의 가능성을 검 증 받고자 하는 옹골찬 기개가 우러나온다.

전시장의 공간에는 단순수조를 표방한 조각전의 형식을 빌되 설치의 미학과 회화적 디스플레이가 도입될 예정이다. 대형 철조 작품이 압도적으로 공간을 장악하면서 벽 면에는 회화적 부조, 혹은 부조적 회화라 할 수 있는 작품들이 걸릴 것이다. 그리하여 전시 작품들은 대작과 소품이 설치미술에서 발견될 수 있는 장력의 균형 및 조각적인 것과 회화적인 것의 평화로운 공존을 통해 완결된 분위기로 이끌 것이다.

야심적이라는 느낌은 먼저 엄청난 규모에서 온다. 거대한 철판들이 용접된 8백 킬로 그램에 달하는 조형은 기중기로 운반, 설치해야 하는 규모지만 전시장의 사정 때문에 축소된 결과일 뿐, 여건이 허락한다면 크기와 두께의 제한이 어찌 있으랴 하는 야심 만만한 의지의 편린을 보여주는 작은 단서에 불과하다.

그렇게 여건에 적응하면서도 작품은 의연 철판의 두께에서 오는 중후함과 동시에 날 렵한 선을 살리고 싶다는 원래의 의도를 조심스럽게 펼쳐나간다. 작업장에서 보이는 두 개의 닮은 꼴 조형은 이 조심스러움의 단적인 예라 할 수 있다. 처음 작업은 두 개의 철판을 붙여 중후함을 표현하려 했지만 날렵한 선을 구현할 수 없다고 판단, 상 대적으로 두껍지 않은 철판을 도입했다.

그리하여 날렵한 선을 우선적으로 구현하면서 철판 자체에 내재한 중후함이라는 속성 이 선의 의미를 증폭하도록 구성되었다. 대작을 통하여 자신의 역량을 시험하고, 재료 와 질료의 저항력을 극복하여 예술적 성취를 이끌어내련다는 의지가 엿보이는 대목이 다. 그리고 그 의지는 조심스런 접근방식에 의해 보다 증폭될 수 있다는 의미에서 야 심적이면서도 조심스럽다는 표현이 가능하게 된다.

이렇게 대작을 지향하는 이유로 작가는 형태에서 오는 느낌을 든다. 큰 작업은 거대 한 괴체감, 양감을 준다. 그러나 거대한 느낌을 위해 거대한 괴체를 쓴다는 것이 아니 라 큰 덩어리 사이의 날렵한 선을 살리기 위해서 면이 동원된다는 데에 변숙경 조각 의 섬세한 감성이 있다. 이런 자세는 제3자에게는 야심으로 보여질 수 있겠지만 작가 자신에게는 단순히 표현의 동기와 과정이라는 데서 역설적으로 그 야심의 폭이 어느 정도인지 짐작될 만 하다.

그리고 대담하면서도 섬세하다는 것은 대조적인 관념일 수 있겠지만 그것이 잘 조화 되는 것이 변숙경의 조각세계라는 인상을 받는다. 대담하다는 것은 물리적인 크기에 서 오는 인상일 수도 있겠지만 무엇보다도 거침없이 재료를 선택하고 조형화 하는 의 지에서 비롯된 표현이다.

대담한 인상을 주는 첫 번째 요인이라 할 수 있는 철조는 변숙경에게는 손쉬운 조형 행위이다. 직조, 즉 중간과정을 거치지 아니하고 바로 조각을 할 수 있다는 장점이 있 다고 믿기 때문이다. 바로 잘라서, 바로 용접하고, 바로 형태가 나오니 그 느낌이 바 로 전해진다는 것이다. 그래서 손쉽다고 했다.

그러나 그것이 손쉽다고 할 수 있을까. 엄청난 무게와 배타적인 공간점유의 속성을 지닌 철은 기중기 등의 운반수단이 필요할 뿐 아니라 플라스마 절단, 용접, 그라인딩, 절곡 등 무겁고 까다로운 공정을 자유자재로 소화할 수 있다는 전제를 필요로 한다. 그러므로 철조를 선택한다는 것 자체가 담대한 선택, 혹은 담대한 행위가 된다.

또한 강렬한 색깔과 문명사적인 비중에도 불구하고 부식되기 쉬운 속성을 지닌다. 조 각가가 선택하는 철판의 색이란 사실 철의 색이 아니라 어느 정도 방청기능이 부여된 기능적인 색이다. 다시 철판은 습기와 결합하여 원래의 색, 즉 붉은 산화철로 환원한 다.

철의 환원이란 자연스런 자연현상이로되 조각이나 건축에서는, 특히 소장가나 건축주 에게는 결코 자연스런 현상이 아니다. 그러므로 상식적으로, 통념적으로 조각과 건축 을 대하는 자세가 아닌 어떤 담대한 기개가 있어야 철판은 철판으로서 조형의 대상이 될 수 있게 된다.

오늘날 철기시대의 전성기에서 플라스틱이나 실리콘의 시대로 접어든다고 하지만 인 류 문명에서 결코 떼어놓을 수 없는 것이 철이었다. 그러므로 철이란 단순히 소재가 아니라 인류문명의 대명사라 할 수 있으니, 그 선택 자체가 바로 문명 속의 예술이라 는 대전제를 담대하게 수용하는 작가의 의식을 말해준다.

그러면서도 섬세하다는 것은 먼저, 소재의 감성적인 선택에서 온다. 벽에 걸리는 회화 적 부조 혹은 부조적 회화에서, 언뜻 보아 깨진 얼음이나 갈라진 판유리의 모습을 연 상케 하는 조형은 사실은 면적인 이미지에서가 아니라, 생활주변의 선을 재구성한 것 이다. 그리고 그 소재는 거미줄에서 왔다. 작업장 주변의 벽과 벽 사이 틈새를 연결하 는 거미줄을 사진 찍어 그 내재율을 선으로 도상화하고 이윽고 입체조형으로 만들어 졌다.

이번 전시에 선보일 작품에서의 선이란 그러므로 내밀한 작가의 발견이자, 신념이다. 그리하여 결과로서의 궤적이 선으로 보일망정 그것은 면과 면 사이의 틈새이면서 오 히려 면보다 중요한 포인트가 된다. 조각의 기본 조형요소라 할 수 있는 면이라는 공 식을 뛰어넘어 변숙경은 회화적인 선, 나아가 조각에서의 선이라는 자신만의 언어를 도출해내고 있는 것이다.

선뿐만 아니라, 브론즈 작업에서의 색채 역시 생활주변에서 가져왔다. 작업실 주변의 계절에 따른 풍광의 변화는 브론즈에서 화공약품처리, 열처리, 샌딩, 그라인딩, 왁싱 등의 섬세한 가공과 마무리를 통해 색채조형으로 탈바꿈한다. 어떻게 보면 지극히 물 리적이고 단순노역에 준 하는 과정이지만, 그 작업의 이면에는 지나가는 봄을 아쉬워 하고 그 봄을 작품 속에 담고자 하는 매우 감성적인 동기가 자리잡고 있다.

그래서 작가는 이 작품들을 '새벽일기'라는 제목으로 부른다. 2004년 개인전의 테마에 고심하던 새벽, 이슬 맞은 거미줄에서 느꼈던 환희, 밤을 지새며 고민하고 스케치하고 모형을 만들면서 새벽을 맞고, 그 새벽이 정리가 되는 시간으로 각인 되면서 작품의 제목에는 새벽에 발견했던 거미줄과 작품의 완결을 예고하는 시간으로 의미가 부여되 는 것이다.

거미줄의 테마는 변숙경이 지향하는 조심스러움, 또는 절제의 미학을 잘 보여준다. 사 진을 찍을 때 거미줄을 보이게 해주었던 이슬과 그 이슬들이 결집하여 만드는 이슬방 울 등은 작품의 테마를 위한 동기가 되었을망정 재현되지 아니한다. 거미줄이라는 공 간 속의 평면구조 역시 철판과 동판에서 형상으로 나타나지 아니한다. 이들이 극도로 절제되어 나타난 결과는 틈새의 선, 입체화한 선, 회화의 형태로 나타난 선이다.

그러므로 틈새를 연결하는 섬세한 미학, 거미줄에서 비롯하는 섬세한 감성적 조형, 그 리고 계절의 느낌이 색채로 치환되는 섬세한 심성 등이 거대 조형을 지향하는 작가의 대담한 야심과 잘 조화되어 전시장 자체를 하나의 섬세한 조형예술로 만들게 되는 것 이다. 그것은 작가의 생활자체가 예술이고, 조형이고, 결과로서의 작품이라는 등식을 가능하게 한다.

이 틈새의 미학은 비단 벽에 걸리는 회화적인 조각에서 뿐 아니라 철조의 대작에서도 발견된다. 거대한 철판과 철판은 선의 의미를 증폭할 수 있도록 일정한 간격을 두고 용접된다. 그 간격이 틈새요, 그리고 틈새는 선이 된다. 마치 동양화의 여백처럼 거대 한 철판의 조형, 잘 연마되고 색이 입혀진 동판의 사이에서 무용의 용처럼 기능 하게 된다. 무용의 용이란 노자의 도덕경에 나오는 말로써, 쓸모 없어 보이는 것이 실제로 쓸모가 있다는 사상이다.

그렇게 선은 감성적인 발견에서 비롯하여 작품의 숨통을 틔어주고, 조각사 혹은 미술 사적 성취를 가늠하게 하는 잣대가 되어준다. 미술사에서 미니멀 아트는 변숙경 작품 이 설 수 있는 발판이 되었을 수는 있지만 그 미학은 사뭇 다르다. 변숙경의 조형은 미니멀 아트와 그 후속세대에서 발견될 수 없었던 조형적 성취를 보여준다.

미니멀 아트는 기본구조를 내세운다. 예술에 있어서도 기하학에서처럼, 또는 언어학처 럼 단순화한, 기본구조가 있을 것이다. 이를테면 기하학에서는 삼각형, 사각형, 원이나 나아가서는 입방체, 공 등의 기본도형이 있고, 언어학에서는 알파벳, 가나, 가나다라 혹은 음절, 음소, 음운 등의 기본 소가 있는 것이다. 그것이 미니멀 아트의 개념 미술 적인 성격이요, 접근방식이었다.

미니멀 아트는 예술의 본질, 혹은 본질환원이라는 미학적 차원에서, 또한 개념미술의 연장선상에서 성대한 환대를 받았다. 20세기 미술에서 추구했던 회화의 본질, 조각의 본질 등이 미니멀 아트에서 구현될 수 있으리라는 기대는, 그러나 미니멀 아트의 극 단적인 질주와 이윽고 자기모순, 그리고 자기해체에로 치닫게 된다. 그 동인은 미니멀 아트가 주창했던 강령, 바로 기본구조라는 데 있었다.

기본구조란 그 자체가 보편적이고, 공통적인 것일 수 있었다. 그래서 미니멀 아트, 혹 은 미니멀 조각은 그 이상 단순화할 수 없는 기본 구조가 발견되고 공인되면 그 진화 를 멈출 수밖에 없는 한계를 지니고 있었다. 그리하여 미니멀 아트는 그 한계점에서 결국 기본구조 자체만으로 해결할 수 없는 미학을 도입하게 된다. 이름하여 '관객참여 에 의해 마무리되는 분위기'라는 것이다.

이를테면 규격이 주어진 철판을 용접하여 육면체를 만든다면 어느 누가 만들더라도 크기와 모양과 느낌이 같을 수밖에 없을 것이다. 개념은 부여할 수 있겠지. 개념미술 의 작가들은, '개념이란 예술가가 생각하고 느끼고 말하는 모든 것'이라는 미니멀 아 트보다 더 극단적인 강령을 개발해냈다. 예술가가 직접 땀을 흘리면서 손때를 묻힌 작품이란 개념미술, 나아가서 개념미술의 영향권에서 형성된 미니멀 아트의 입장에서 는 '예술의 타락'이라 할만하다. 그 결과 익명성의 평준화된 작품이 양산되었고, 관객 과 소장가의 외면을 불러오게 된다.

그 돌파구로서 등장한 것이 관객참여의 미학이라는 것이다. 미니멀 아트에는 관객이 필연적인 작품의 요소로 등장한다. 기본구조의 주변에 관객은 분위기로서, 작품의 완 결된 구조에 어떤 부분으로서 기능 한다. 관객은 작품을 감상하는 객체이면서 작품의 주체가 되는 것이다. 이를테면 그것이 미니멀 아트의 한계요, 제약이라 할만하다. 관 객이 없는 사진 속의 미니멀 아트는 누구의 것인가. 미니멀 아티스트의 것인가. 사진 을 찍은 사람의 것인가. 아니면 그 사진을 보고 왜 이것을 작품이라 불러야 하는지 모르는 관객의 것인가.

반하여, 변숙경의 작품에는 미니멀 아트에서 발견될 수 없는, 또는 미니멀 아트를 초 월한 미학이 있다. 거기에는 미니멀 아트에는 없는 것들이 있다. 공기가 소통되는 틈 새가 있고, 미니멀 아트에서 기본구조에 몰두하느라고 놓쳐버린 선이 있다. 감성적 동 기와 접근방식에서 비롯되는 작품의 일회적 완결성과 회화적 성취가 있다.

그러므로 변숙경의 작품은 그 자체로서 당당하고, 작품이 걸려 있는 벽면에서 당당하 고, 작품이 놓여 있는 공간에서 당당할 것이다. 작은 작품과 큰 작품은 상대적 크기에 의해 규정되지 않는 독자적 위상을 가질 것이며, 동일 공간에서 질량과 크기와 형체 와 색채가 틈새와 선과 공기를 매체로 적이 공존할 것이다.

관객이 없어도 자족적이고, 섬세한 감성적 어법과 조심스러운 조각적 선이 설치미술 과 회화의 미학을 만족시킬 수 있는 세계야말로 야심적이고 담대한 세계가 아닌가.


하늘에 그은 선
발견, 직선들

최태만 ( 미술평론가 )

변숙경의 작품에서 발견할 수 있는 두드러진 특징으로 입방체의 표면을 가르거나 나누고 있는 직선들이다. 큐브나 원반의 형태를 구성하는 모서리를 제외하면 이 직선들은 대부분 사선이며 평행하는 경우도 거의 없다. 그래서 사각이나 원의 틀 속에 놓인 면들은 조각난 파편처럼 보이기조차 한다.
이 직선들이 만들어내는 균열은 공간을 구획하는 요소일 뿐만 아니라 마치 지각변동에 의해 융기된 지층처럼 들어 올려진 면을 더욱 부 각시킴으로써 시각적 긴장감을 고조시킨다. 그래서 기하학적 틀 속의 세계는 역동적인 에너지가 서로 투쟁하는 장처럼 보이기도 한다.
사선들로 나뉜 면들은 크기도 일정하지 않을 뿐만 아니라 불규칙한 형태를 지니고 있으므로 무질서한 구조물로 비쳐질 수 있을 것이다. 그러나 이 직선들이 어떤 모티브로부터 출발한 것인지 파악한다면 그 구조를 구성하고 있는 것은 카오스가 아님을 알 수 있다.
이런 점은 변숙경의 작품에서 기본형태가 기하학적인 입방체이기 때문에 쉽게 미니멀리즘으로 규정해버리는 것이 얼마나 단 순한 결론인지를 밝힐 수 있는 근거이기도 하다. 먼저 작품제목을 '새벽'으로 정한 것 에서 단서를 찾을 수 있다.
작가에 따르면 작업을 구상하며 거의 밤을 꼬박 새운 신새벽에 우연찮게 새벽이슬을 머금은 거미줄을 발견했다고 한다. 거미줄이야 주변에서 흔히 볼 수 있는 것이기 때문에 하찮게 여겨 지나칠 수도 있겠지만 그는 그것에서 자연이 만들어내는 구조를 발견한 것이다.

사실 우리가 알고 있는 거미집은 올가미의 기능을 하는 방사형 그물인 경우가 많다. 대체로 거미가 공중에 쳐놓은 둥근 그물은 규칙적인 바퀴모양을 형성하므로 일정한 규칙에 의한 비례를 지니고 있다.
또한 중심점을 향해 수렴되는 특이한 구조는 원근법의 소실점과 많은 부분 닮은 점이 있다. 그러나 거미의 종류에 따라 그물은 초승달 모양으로 부터 삼각형, 부채형 등에 이르기까지 다양하다고 한다.
경우에 따라 담장이나 가구류 사이에 친 선반형이나 접시나 사발 모양으로 친 그물은 불규칙한 구조를 지닌다. 흥미 로운 것은 변숙경의 작품에서 중요한 직선이 이 거미줄을 모티브로 했다는 사실이다. 그것도 작가가 임의적으로 그 구조를 변형하지 않고 거미가 자연에 친 그 형태대로 확대하여 철판이나 동판을 잘라 다시 이어붙였다고 하니 거미가 작품의 기본구조를 결정한 디자이너라고 해도 과언은 아닐 지경이다.
사실 거미를 퇴치해야 할 해충쯤으로 여기고 눈에 띠지 않는 구석이나 언저리에 쳐진 거미줄을 을씨년스러운 풍경으로 받아들이는 우리로서는 변숙경의 발견에 대해 심각하게 고려하지 않을 수도 있다. 비록 그의 발견을 아르키메데스(Archimedes)가 부력의 원리를 발견하고 '유레카(eureka)'라고 외쳤던 것에 비견할 수는 없다고 할지라도 아주 사소한 것에서 조형의 원리를 찾았다는 사실은 중요하다.
경제학에서 수요와 공급의 불균형으로 가격이 요동치는 현상을 분석 하기 위해 '거미집모형이론'이 동원되는 것에서 알 수 있듯이 자연현상이 복잡한 구조를 이해하는 실마리를 제공해주는 경우가 많다.
사선들이 교차하는 형태로 보아 불규칙한 거미줄의 구조로부터 착안한 것으로 보이는 변숙경의 작품은 '무규칙 속의 규칙', 즉 '해체 속의 균형', '무질서 속의 질서'가 불러일으키는 심미적 조합의 세계를 보여준다. 무질서 속의 질서는 카오스이론이나 프랙탈기하학에서 볼 수 있는 것이기도 하거니와 사각의 프레임을 나누는 원리가 바로 이 혼돈 속의 질서이며 그 결과는 조각 맞추기의 형식으로 나타난다.
이 조각 맞추기의 기본 형태들이 작가에 의해 창안된 것이 아니라 자 연에서 발견한 구조라는 점에서 그의 작품을 '발견된 추상'으로 부를 수 있을 것이다. 그것에는 형이상학이 침투할 여지가 없으며 따라서 상징도 거부된다. 그러나 작가가 거 미줄에서 모티브를 찾았다 하더라도 그것은 그의 작품에서 하나의 소재일 뿐 작품 전체를 대변하지는 않는다. 그렇다면 이 거미줄 구조를 통해 작가가 무엇을 말하고자 하는 지를 규명할 필요가 있다.

균열의 틈, 긴장과 이완의 숨통

일면 불규칙적인 사선들이 어지러이 교차하고 있으나 그의 작품에는 삼각형을 기본 형태로 다각형들이 그것을 에워싸거나 적절한 위치를 점유하고 있다.
이 형태들은 중심을 향하고 있으므로 우리의 시선은 자연스럽게 그곳으로 집중된다. 이 중심은 대체로 잘게 나뉜 작은 조각들이 군집을 이루고 있을 뿐만 아니라 색깔도 달리하고 있으므로 시선은 분산되지 않고 그 중심으로 수렴된다.
가장자리의 넓은 면과 가운데의 복잡한 구조가 만들어내는 조화는 그의 작품을 시각적으로 분산시키지 않고 안정적으로 만드는 요소이 다. 원반형은 외곽의 윤곽이 확고하기 때문에 시선을 원형의 공간 속에 잡아두도록 만든다. 그러나 내부는 마치 깨어진 유리렌즈처럼 복잡하므로 긴장과 이완의 순환구조가 형성되는 것이다.
반면에 사각형에서 대칭구조는 내부의 균열이 불러일으키는 사선의 교란에 리듬을 부여한다. 게다가 표면의 화려한 색채는 이 작품을 조각적 회화 또는 회화적 조각이 되도록 유도하고 있다.
이 색채가 때로 내부의 구조를 추적하는 것을 방해하기도 하지만 배색의 대비가 현격하기 때문에 닫힌 공간을 개방하는가 하면 열린 공간을 폐쇄하기도 한다. 따라서 색채에 의해 한정된 공간을 활성화하는 것은 그것들을 구 획하는 균열이며, 이것은 단지 면과 면 사이에 난 틈이 아니라 일종의 숨통이라고 할 수 있다. 균열은 공간을 분리하는 것이 아니라 서로 연결하는 매개자이자 우리의 시선을 인도하는 길이라고 볼 수도 있다.
사각이나 원은 자기완결성이 높은 까닭에 원형(原 形)으로 회귀하려는 속성을 지니지만 균열은 그 안정적인 형태로의 복원을 저지한다. 이 저지는 그의 작품이 미니멀 충동에 의해 닫힌 공간에 안주하지 못하도록 만드는 요소이다. 여기서 긴장이 발생하는 것이다. 이 긴장은 파편들의 조립을 미적 차원으로 이끄는 원동력이기도 하다.

면의 분할과 재조립과정은 거미가 실을 뽑아내 집을 짓는 본능적인 행위와는 다른 맥락에서 미적 판단을 필요로 한다. 나아가 구획된 평면 속에서 돌출된 형태는 그의 작품을 조각으로 규정하는 중요한 요소라는 점에서 작가의 조형적 고려가 차지하는 중요성 또한 크다.
결국 그의 작품은 입방체나 기하학적 지지체에 의존하고 있으나 그것은 말 그대로 지지체일 뿐 작품의 내용은 다른 것에 있다. 즉 작가는 작품의 형태를 규정하는 윤곽에 얽매이지 않고 조각난 파편과 그 사이를 가로지르는 균열의 틈을 통해 작품의 내부를 바라보기를 요구하고 있는 것이다.
물론 내부는 물리적으로 비어있다. 우리가 보아야 할 것은 상자의 내부가 아니라 틈과 틈 사이이다. 그 공간은 지극히 좁지만 그것 을 통해 입체의 구조는 물론 그것을 구성하고 있는 원리를 파악하는 것이 관건이다. 그 런 점에서 작품의 모티브가 되는 거미줄이 다시 중요해진다. 그것은 세계를 포획하는 그물이다.
또한 그 한 가닥 줄은 손금처럼 많은 사연을 담고 있는 운명선으로도 볼 수 있을 것이다. 거미줄을 확대한 작품의 구조는 상징을 배제하고 있으나 작가가 조각난 형태들을 재조립하는 과정에서 은유가 틈입할 수 있는 공간도 확보된다.
레이저와 같은 첨단기계의 도움을 받아 정밀하게 재단한 것이라고 할지라도 원래 형태대로 짜 맞춰 평 면으로 환원시키는 것이 목표가 아닌 한, 그래서 각이 예리한 면이 비스듬하게 기울어지며 입체를 만들고 색채가 분할된 면을 다시 규정하는 한 그의 작품은 자연의 구조를 압축한 입체로서의 자기정당성을 확보하게 되는 것이다.

새벽에 발견한 거미줄을 통해 자연이 만들어놓은 기하학적 구조까지 찾아냈다면 이 작품들은 그 구조를 통해 세계를 다시 보는 창이 될 수 있을 것이다.
중력의 법칙에 따라 거미는 자신의 몸무게를 지탱할 수 있는 한도 내에서 실을 뽑아내었을 것이지만 작가는 그 거미줄의 형식을 빌려 하늘에 선을 긋고 싶었는지 모른다. 불규칙해 보이지만 그 선 들을 이어붙일 때 그것은 하늘을 담을 수 있는 그물이 될 수도 있다.
그러므로 그의 작 품이 육중한 금속으로 조립된 것이라고 할지라도 그것을 세계를 바라보는 창이자 대기 를 포획하는 그물로 상상하는 것은 즐거운 일이 아닐 수 없다.


철의 여인, 거미를 만나다.

김종근 (미술평론가, 아트앤 컬렉터 발행인)

어느 저널리스트는 변숙경을 가리켜 "쇠를 자르는 여자, 자른 쇠를 다시 잇는 여자, 불꽃 튀기며 틈을 발견하는 여자, 틈으로 잎새를 돋우는 여자, 바람에 내버려두는 여자, 일부러 녹슬게 만드는 여자, 그걸 기다리는 여자, 습기를 빨아들이는 여자, 무게를 지탱하는 여자, 틈을 용접하는 여자, 쇳덩이를 세우는 여자, 우뚝 솟아나는 여자, 녹슨 불편함을 바라보게 하는 여자, 시선을 바꾸는 여자" 라고 묘사 했다.
이 말은 틀리지 않지만 정확하게 그녀는 거미집을 만드는 여자 , 인간 거미라는 표현이 맞 다.

왜냐하면 그녀는 끊임없이 거미집을 만들기 때문이다. 물론 그녀는 매일 똑같은 거미집을 만들지 않지만 그녀의 작품은 거미집과 불가분의 관계를 맺고 있다.
그녀 자신도 거미집과의 인연을 이렇게 기억 했다. 2004년 개인전 준비를 위해 전시작품 구상으로 밤을 하얗게 새우며 고민 하던 중 자신의 작업실 근처를 산책하다 새벽이슬을 머 금은 거미줄을 만난다. 그녀는 마당에 놓인 자신의 작품과 작품 사이를 가로 지른 가느다란 거미줄을 본 것이다.

불규칙적으로 엮어진 그러나 정교한 형태의 거미줄에서 그녀는 섬광처럼 자신의 작품에 대 한 예술적 영감을 받았다. 이것이 변숙경 작품의 근원이다. 그녀는 거미줄과의 최초의 만남 을 새벽에 만났다 하여 '새벽일기'라고 명명하게 되었다.
어쩌면 예술가인 그녀에게 이러한 절대적 예술적 영감은 숙명적이거나 축복에 속한다.
철학자 가스통 바슐라르는 언제나 책상 앞에 앉아 기도했다. 아름다운 시를 쓸 수 있도록 언제나 시의 첫 구절을 떠올리는 영감을 달라고 말이다. 변숙경에게 거미줄과의 이러한 극 적 상봉은 그 조형적 예술을 아우르는 영광된 항해의 신호이자 나침반이다.

물론 추상미술이나 추상조각의 역사 속에 대부분의 모티브가 자연의 형태에서 빌려 오고 있 지만 우리가 알고 있는 것 이상으로 거미줄의 선은 완벽하게 기하학적 형태를 지닌 조형으 로 이미 그 자체가 충분히 예술적이다.
특히 선과 선이 만나 이루어내는 면의 형태와 조형성은 그 어느 작가가 만든 것보다, 황금 비율 이상으로 완벽한 조화를 이룬 걸작이다. 변숙경은 이것을 그의 조형적 예술세계의 화 두로 삼았다. 철판과 철판이 만나고 헤어지면서 만나는 이야기는 그의 작업에 중심 스토리 이다. 평면에서 만나 분리되고, 때로는 입체에서 선과 선이 만나는 최고의 어울림에 집중하 고 탐닉 한다.

그녀는 녹슨 철판 덩어리에서 자연의 이치와 조형의 근본 원리를 발견한 것이다.
피카소는 언제나 그의 작품을 창작이라 하지 않고 자연에서의 발견을 추구한다고 했다. 변 숙경은 조각의 원형을 자연이 만들어 놓은 기가 막히도록 절묘한 형태 속에서 끄집어 놓은 것이다.
그러나 변숙경의 진화는 그 발견에 머무르지 않는다는 것이다. 더욱 시선을 확대시켜 새로 운 '선'의 세계를 벽에다 놓기도 하고, 완벽한 입체의 형식으로 존재하는 방법을 보여 준 것 이다.

즉 벽에 걸리는 회화적 부조에서 부조적 입체회화로 공간의 시각적 영역을 확장 시키고 열 어 보인 것이다. 그의 작품이 벽에 나란히 퍼즐처럼 걸리는가 하면 독립된 공간 안에 우뚝 존재한다. 그러면 서 그가 마지막까지 잃지 않고 견지하는 것은 거미줄의 본질적 형태이다.
물론 그러한 거미줄의 패턴이 작업장의 벽과 벽 사이 틈새를 이어주는 결정적 관계와 같이 하지만 그녀의 키워드는 공간과 선이며 연출은 거미이다. 즉 그것을 신의 도구처럼 형태화 하여 입체 언어로 화려하게 부활시킨다.
이것이 변숙경의 명료한 시각적 형태적 메시지이다.
그렇다면 이것을 통하여 그녀가 말하고자 하는 것은 무엇일까 ?
그녀는 단순하게 거미가 만들어 놓은 부산물을 옮겨 놓는 것은 아니다. 우리는 거미작가로 세상에 알려진 루이스 부르주아의 거미를 상상 할 수 있다. 그녀는 사랑하는 사람과의 공감 과 소통을 거미라는 상처받은 영혼의 곤충으로 형상화 하였다.

100세의 여류조각가 루이스 부르주아에게 '마당' 거미는 내면의 상처이었고, 그녀 자신의 상처에서 출발하며 어머니에 대한 연민과 아버지에 대한 증오가 작품의 원동력이었다. 그녀 의 어머니는 실을 뽑고 바느질을 하는 것과 떼어 놓을 수없는 관계였다고 한다. 이러한 것 들이 거미와 거미줄이었고 마지막으로 거미를 선택한 가장 큰 이유였다. 이처럼 변숙경에게 거미줄의 형태는 세상을 향한 복음의 바이블 같은 것이다.
"우리 집의 모든 여성들은 바늘을 사용하고 있었다." 부르주아는 〈마망〉에 대해 "태피스 트리를 수선하던 나의 어머니를 그린 것"이라면서 "어머니는 거미처럼 태피스트리를 실로 짜던 사람"이라고 지적했다.
하지만 변숙경은 그런 아픔 보다는 새벽에 그녀가 받았던 그 맑은 예술가의 영감을 많은 사 람들에게 전도사처럼 전하고 싶은 것인지도 모른다.
그녀의 작품에는 어떻게 거미가 이렇게 넘칠 듯이 찰랑이는 고상한 형태를 흐트러짐 없이 질서 있게 만들 수 있는지 궁금증을 준다. 또한 기하학적 형태 안에 이렇듯 다양한 균형의 표정과 배열을 지닐 수 있다는 점이 대단히 흥미롭다.
그것은 분명 면과 면이 빚어내는 탁월한 하모니이며, 바로 변숙경이 만든 거대한 철판의 거 미집이며 그녀만의 아이콘이다.

중요한 것은 여전히 변숙경의 내면 의지에는 사각형의 도형이 중심을 이루고, 거미가 만들 어 놓은 구상과 추상의 관계를 정직하게 재현 한다는 것이다.
실제 거미는 무척 신비한 동물로 알려져 있다. 거미의 몸에서 나오는 끈끈한 액이 밖으로 나오면서 찬 공기와 만나 실이 되고 이 실이 여러 겹 꼬인 것이며 머리카락 지름에 100분 의 1에 불과하다는 이 거미줄은 철사줄 만큼 강해 한번 잡은 먹이는 절대 놓치지 않는다고 한다. 변숙경이 거미줄이라는 자연적인 조형의 세계를 모티브로 조각예술의 극치를 이룬 것 은 무엇보다 그가 발견한 공간에 대한 조각가의 새로운 해석이며 이것의 근원을 자연에서 빌려 온다는 사실이다.
추상화 된 기하학적 양식의 모양들을 가느다란 실을 통해 기하학적 공간에 풀어놓는 이지적 감성과 전환의 능력, 그것이 변숙경 조각의 진정한 매력이다.
그러기에 그의 형태는 굳이 어떤 에스키스나 드로잉이 없어도 , 의미를 해독하지 않아도 자 연스럽게 입체작품이 상상된다.
이제 그는 '철(鐵)'로 쓴 새벽일기' 라는 주제로 그의 6번째 일기를 공개한다.
그녀가 날카롭게 잘라낸 면들은 예상된 선들이 빚어내는 오케스트라 같은 화음이 되어 우리 에게 돌아온다.

또한 분절 된 면들이 서로 봉합하면서 지적인 형태로 되살아나는 것은 부르주아의 거미처럼 분절과 봉합이라는 상처의 치유를 담아내는 것은 아닐까? 변숙경은 이미 많은 평자들에 의 해서 " 철판 위에 실존하는 선을 그리는 작가"로 불린다.
그녀는 실제는 철판 덩어리를 질서 있게 자른 후 그것들을 다시 거미가 만든 거미줄처럼 원 래의 형태로 이어 붙이는 재현적 추상조각가의 일기 같은 것이다. 조각의 출발 역시 거미가 만들어 놓은 실제 형태의 공간 안에서 유희하며 출발하지만 변숙경의 조각은 하나의 물질을 떠내거나 빚어내는 전통적인 조각이 아니라 덧붙이는 건축가에 가깝다는 것이다.

작품들을 바라볼 때 또 하나의 놀라운 사실은 그 거대한 철판을 떡 다루듯이 주무르는 거 침없는 테크닉이다. 커팅과 센딩, 용접과 설치 등 그녀의 기술은 남자 기술자들의 비교를 거부한다.
1993년 전후 대우 조선을 방문, 바닷바람에 녹슨 쇳덩이를 보고 한눈에 반한 변숙경. 그녀 는 그 때 대우 조선에서 용접을 배우고 용접 자격증까지 얻었다고 한다. 이러한 치열하고 몸을 아끼지 않는 열정과 순간이 있기에 오늘날 '새벽일기'에 보여지는 대형 벽면 작업이 그 녀에게는 가능 했을 것이다.
우리가 그의 작업을 사실 철판을 자르고 용접하면서 거미줄의 형식을 빌린다고는 하지만 사 실은 거미가 만들어 놓은 설계도대로 그는 철저하고 완벽하게 변숙경만의 집을 짓는 것이 다.

그 집에서 우리는 그만의 내밀한 작가의 생명줄 같은 선과 형태를 만나는 것이다.
그러기에 거미줄은 그녀가 지향하는 가장 정직한 인생을 향한 진정한 눈물이자 표현의 결정 체이다. 재현의 전통을 포기하지 않고 자연으로부터 찾아낸 순수 기하학적인 추상의 세계를 끝까지 열어 보이는 그런 예술가의 마지막 희망.
진정한 조각의 의미가 삼차원의 공간 속에 물질로 나타나는 변숙경의 작품들은 거대한 자연 이 준 형태를 인간의 손으로 유희하는 추상적 치유의 아름답고 따뜻한 힘인 것이다.
그의 조각이 이처럼 정갈하고 단순하며 단아한 메시지가 넘치는 것은 허버트 리드가 말한 것처럼 "결국 예술은 인간의 감정에 관한 것이고, 이 점은 결코 변하지 않을 것" 이라는 진 실의 순간을 그가 단 한 순간도 놓치지 않고 따르기 때문이다.


존재의 참을 수 없는 무거움

김정락 (김종영미술관 학예실장)

미술은 원래부터 현상학적인 모순을 안고 있었다. 그렇지 않게 보임으로서 그렇다는 것을 지시하려는 미술의 태도는 아리스토텔레스에게는 비교적 긍정적인 평가를 얻어냈고, 그의 선배였던 플라톤에게는 참을 수 없는 허위였다. 미술이란 그렇게 인간이 형성한 진리체계의 가장 밑바닥에 위치한 것이다.

예술은 진실을 지시(indicate)하는 것이지 진실 그 자체는 아니다. 오래된 리얼리즘에 대한 사유는 바로 이러한 모순론 위에서 펼쳐졌다. 현대 미술은 자신이 허위(Illusion)라는 '사실 (fact)'을 기반으로 성장하였다. 모순론을 진리체계 위에 올려놓고 사유한 것이 바로 그 원인이었다. 여기까지는 미학과 예술철학이 이천년 이상 쓸데없이 고민한 역사적 결과였다.
필자는 예술이란 아름다운(혹은 매력 있는) 거짓말이라는 것을 인정하면서 예술작품의 존재 와 존재론에 대해서 접근하고자 한다. 너무 어렵다면, 그리스의 소피스트의 수사학으로 달 리 표현해 보겠다. 즉, 거짓말을 거짓말로 받아들이면서 화자와 청자 사이에는 암묵적인 친 밀감과 사교적 관계가 형성된다는 뜻이다. 더 쉽게 말하면, 서로 알면서 그리고 웃으면서 거짓말을 하고 받아들이자는 것이다. 예술은 곧 정교하고 논리적인 '사기'이다.

작가 변숙경의 작업은 무척이나 무거운 작품이다. 철판과 빔으로 형성되는 조형물은 경우에 따라서는 1톤을 쉽게 넘어간다. 리처드 세라와 비교하면 여전히 가벼운 것이지만, 중량감은 작품에 따라 상대적인 것이다. 예를 들어 물소가 5백 킬로그램이 넘는다고 하면 고개를 간 단히 까딱이면 그만이다. 하지만 들쥐가 50킬로가 나간다면 경악스러운 것이 된다. 예술은 바로 후자를 건드리는 것이다. 그리고 바로 이 차이로 변숙경의 작업이 무거워 보일 수밖에 없는 그 이유다. 이제 좀 더 구체적인 설명이 필요해졌다. 그는 이른 새벽 한갓진 어느 구 석에서 거미줄을 발견했다. 아직 완성되지 않은 빈약하기 그지없는 거미줄은 나름의 아름다 운 조형미를 형성해 주었던 것 같다. 작가는 여기에 매료당했다. 두터운 철근 사이로 혹은 콘크리트 기둥이나 벽 사이를 잇는, 스치는 바람에도 쉬 끊어질 것 같은 연약하고 투명한 선속에서 공간을 관통하고 쪼개는 힘을 본 것이다.

또한 작가는 거미줄이 형성하는 구조미와 건축성을 형상의 원리로 차용하였다. 더 할 나위 없는 연약함을 지탱하는 선과 선의 결합은 그것을 통과하는 바람을 이겨내고, 걸려든 곤충 의 처절한 몸부림에도 아랑곳 않는다. 또한 공기를 가르는 선의 단호함은 절제와 함께 고전 주의가 주창하는 고결함에 비유될 만한 것으로 보였다. 작가는 이러한 조형성을 철로 재현 한다. 필자가 1번에서 언급한 모순론에 작가는 과감하고 무모하게 덤벼든 것이다. 무게를 잴 수 없을 만큼 경량으로 이루어진 조형성을 톤 단위의 중량감이 있는 물질에 이입하는 작업이라는 것이다. 현상학적인 존재성(즉 중량감)이 크리넥스 티슈보다 경미한 현존을 지시 하는 설정을 만들어낸 것이 변숙경의 작업이 가진 특징이다. 그리고 이러한 지시성은 작품 이 지닌 장식적 혹은 수사학적 형태에 의해 한 번 더 강조된다.

그렇게 아름다운 거짓말이 된 예술작품은 자연이 지닌 변칙적 형상에 법칙과 리듬을 부여하 기 시작한다. 반복과 변화는 일종의 화성악적인 구조를 가지고 변주를 하게 되는데, 이것은 여러 개로 구성된 앙상블로서 그 의미를 가지게 된다. 작가는 이러한 앙상블을 형성하기 위 해, 다시 한 번, 자연의 우연에 작품을 맡긴다. 일련의 작업들은 거의 같은 방식으로 처리되 어 고로(高爐)에 들어가 열처리 되는데, 인간의 의도는 그 열의 역학까지 미치지는 않는다. 이제 작가는 도공처럼 가마 곁에 앉아 우연이 빚어낼 결과를 기다린다. 우연이 만들어내는 세밀한 차이는 반복 속에 리듬을 형성한다. 여기서 작가는 항상 다른 거미줄을 보면서 그 속에 구성되는 자연의 미 법칙을 되새기는 것 같다.

변숙경의 작품이 펼치는 모순론은 단순히 중량감에만 있지 않다. 공간과 질료의 대비적 전 화도 이러한 모순론에 한 축을 이룬다. 거미줄의 가느다란 선은 육중한 철판 사이를 가로지 르는 틈으로 변형되어있다. 프레임의 평면을 관통하는 선은 프레임의 한계를 넘어서는 경우 가 많다. 즉 프레임으로 물리적 한계가 결정지어진 작품은 비가시적인 전체의 일부가 되고, 또한 가시화된 일부로서 전체를 암시하는 일종의 지시체로서 작품은 그 의미를 갖는다. 이 런 방식으로 작품은 열려진 외부의 공간과 작품 내의 빈틈들과 긴밀하게 교류하게 된다. 소 통은 공간을 넘어서 작품이 파생하는 제2의 형상요소인 그림자로서도 형성된다. 작품을 투 과한 빛과 작품의 그림자가 만들어내는 형상이 공간에 투영되면서 작품은 즉자적인 존재에 서 대자적인, 다시 말해 상호성을 갖는다.

마지막으로 변숙경의 작품은 단순하고 건축적인 조형성을 갖는다는 점에 주의를 기울여야 한다. 이 건축성은 이전 미니멀리즘의 작품들과도 비교되지만, 의미의 극단적 환원주의로 표현되는 미니멀리즘과는 다르다. 변숙경의 작업은 반대로 의미를 '적극적으로' 파생시킨다. 모티브를 자연에서 직접 차용한 것도 그 이유이지만, 그 형상을 물질적인 형태로 이전하는 과정에서 작가는 형상의 연속성과 차이를 구성하는 것이 결정적인 원인이다. 예를 들자면, 솔 르윗이나 칼 앙드레가 구성하는 작품의 모듈이 너무나 비인격적이고 비자연적인 형태를 반복하는 것과 달리, 변숙경은 자신의 서정적인 정서를 철 위에 짜놓을 줄 안다. 그리고 자 연이 펼치는 불규칙한 변화를 그대로 순응한다. 그렇게 함으로서 작가는 응축하는 것이 아 니라 확산하는 힘을 얻는다. 마치 아라크네(그리스 신화에 등장하는 거미가 된 여인)처럼 변숙경은 차가운 질료위에 자연의 끈질긴 생명감을 날선 결정력으로 표현할 줄 알고, 그 위 에 서사적인 내용을 엮어냈다. 필자에게는 작품의 주재료인 철이 보유한 육중한 무게보다는 그 사이를 갈라놓는 선들의 존재와 의미가 더 무겁게 느껴진다.


철판 위에 실존하는 선

박영택 (미술평론가)

사각형의 철판 덩어리를 잘게 자른 후 그것들을 다시 원래의 형태대로 이어 붙였다.

사각의 평면을 절개하고 나눈 선들이 다시 기억의 힘 아래 모여들어 현재의 시간 아래 불현 듯 멈춘 것이다. 그래서인지 내부의 공간을 횡단한 선들에 의해 분할된 면들이 다시 봉합과 치유의 과정을 거쳐 환생한 느낌이다. 사각형의 평면은 그대로 유지되고 있지만 내부는 저 마다 다른 상황, 표정으로 연결되어있다. 그래서 동일한 피부 위에 다양한 삶이 전개되고 있는 형국이 풍경처럼 다가온다.

철판은 철 조각을 하는 작가에게는 유일무이한 물질이고 간절한 생활이며 세계이자 삶과 작 업의 공간일 것이다. 또한 자기 몸의 연장으로 존재한다. 철과 더불어 사유하고 말하고 생 활하며 존재한다고 해야 할 것이다. 그래서 작업은 온전히 철과 함께 한 자취, 일상, 놀이에 의해 새겨진다. 철판을 매일 매일 접하면서 그 날의 일기를 써나가듯 자르고 용접하고 철과 대화한 흔적이 고스란히 작품이 되었다.

철판 안에서 자신이 할 수 있는 움직임과 삶을 거미가 거미줄을 치듯 그렇게 직조하면서 보 낸 시간의 여정이 철판 위에 저렇게 서식하고 있다.